9 Oktober 2024
Die CSRD im Überblick: Nachhaltigkeitsanforderungen aufgeschlüsselt
- Greenwashing
Interessierst du dich für Prints, handgefertigte Stücke oder ethnische Kleidung? Hast du dich jemals über die Geschichten hinter diesen einzigartigen Kreationen Gedanken gemacht? Wenn diese Marken ethisch handeln und die Wertschätzung für ihre Handwerker:innen und Handwerkskunst ernst nehmen, stellen sie sicher, dass ihnen angemessene Anerkennung und finanzielle Entlohnung zuteilwird. Leider nutzen viele Fast-Fashion-Marken dieses Know-how aus, ohne die Schöpfer:innen angemessen zu würdigen.
Bei COSH! setzen wir uns für nachhaltige Marken ein, die nicht nur die Umwelt schützen, sondern auch ihr kulturelles Erbe bewahren. In diesem Artikel werden wir darstellen, wie diese Marken, die ihre kulturellen Wurzeln leben, auch die Prinzipien von Slow Fashion befolgen. Unsere umweltbewussten Unternehmer:innen werden außerdem ihre ethische Herangehensweise an die Integration traditioneller Fähigkeiten teilen.
Für Verbraucher:innen und angehende Unternehmer:innen bieten wir wertvolle Ratschläge:
Wie exploitierende Fast Fashion das kulturelle Erbe gefährdet
Die Mode schöpft ihre Inspiration aus verschiedenen Quellen, darunter Kunst, Literatur, Musik und kulturelle Traditionen. Diese Elemente bilden zusammen das, was wir als kulturelles Erbe bezeichnen.
Laut der Central European University umfasst kulturelles Erbe die greifbaren Aspekte des Erbes einer Gruppe oder Gesellschaft, wie kulturelle Artefakte, sowie die immateriellen Eigenschaften, die von der Vergangenheit überliefert werden. Heritage for Peace definiert es weiter als den Ausdruck entwickelter Lebensstile einer Gemeinschaft, einschließlich Bräuchen, Praktiken, Orten, Gegenständen, künstlerischen Ausdrucksformen und Werten, die von einer Generation an die nächste weitergegeben werden.
Das kulturelle Erbe ist also eng mit Gemeinschaften und den Menschen verbunden, die dieses Wissen generieren. Leider wird diese Verbindung in der Modebranche oft unterbrochen, und dieses wertvolle Wissen wird ohne angemessene Anerkennung oder Würdigung ausgebeutet. Diese Ausbeutung macht die menschlichen Beitragenden und ihre Anliegen unsichtbar, obwohl sie aufgrund von Faktoren wie ihrer geografischen Lage, finanziellen Situation, Herkunft und anderen Umständen Gefahren ausgesetzt sein können.
Die Modebranche hat eine beunruhigende Geschichte der Aneignung von Kunsthandwerkswissen, ohne die Gemeinschaften zu würdigen oder zu ehren, die diese Kreationen hervorgebracht haben. Beispielsweise stößt man häufig auf Accessoires mit stereotypisierten Designs der amerikanischen Ureinwohner, mexikanischen Drucken, indischen Saris und malischen Mustern in Sommerkollektionen. Bedauerlicherweise werden diese Muster und Kunsthandwerkstechniken oft entwertet und ausgebeutet, sei es durch den Verkauf zu reduzierten Preisen während der Sommerschlussverkäufe oder durch überproportionale Preiserhöhungen von Luxusmarken.
Vor kurzem hat Mexiko rechtliche Schritte gegen Zara und Patowl unternommen, weil sie Elemente des kulturellen Erbes indigener Völker in ihre Kollektionen aufgenommen haben. Alejandra Frausto, die mexikanische Kulturministerin, betonte, dass “dies ein Grundsatz ethischer Überlegung ist, der uns lokal und global verpflichtet, auf den Schutz der Rechte indigener Völker aufmerksam zu machen, die historisch unsichtbar waren.”
Die Situation mit der Marke Zara von Inditex sowie Patowl und anderen Modeunternehmen wie Isabel Marant, Mango und Carolina Herrera verdeutlicht ein beunruhigendes Muster von kultureller Aneignung und Ausbeutung in der Modebranche. Diese Marken haben Elemente wie traditionelle Muster für T‑Shirts oder Kleider aus dem kulturellen Erbe indigener Gemeinschaften übernommen. Von Oaxaca bis San Juan wurden die Mixteken und Zapoteken Gemeinden aus der Gemeinschaft San Antonino Castillo Velasco nicht angemessen für den Ursprung dieser Designs anerkannt.
Wie die Mexikanische Kulturministerin feststellte, wurden Ethik völlig ignoriert und die Rechte und Kämpfe dieser schutzbedürftigen Gemeinschaften wurden übersehen. Es ist ein offensichtliches Beispiel dafür, wie die Modebranche von der Arbeit marginalisierter und indigener Gruppen profitieren kann, ohne wesentliche Konsequenzen zu tragen.
Ungleichgewicht zwischen Nord und Süd und die Kluft zwischen großen und kleinen Modeunternehmen angehen
Ein erhebliches wirtschaftliches Ungleichgewicht
In der Modewelt beobachten wir oft ein erhebliches wirtschaftliches Ungleichgewicht, das mit Besorgnis betrachtet werden muss. Es zeigt sich ein bedenklicher Trend, bei dem das kulturelle Erbe oder die kulturelle Aneignung hauptsächlich in eine Richtung fließt: von der globalen Nordhalbkugel zur globalen Südhalbkugel.
In dieser Dynamik eignen sich Unternehmen aus dem Norden das traditionelle Wissen und die Expertise von Gemeinschaften aus dem Süden an, mechanisieren oder industrialisieren ihre Kreationen und verkaufen sie dann entweder zu niedrigen Preisen oder zu überproportionalen hohen Preisen.
Was einst ein geschicktes Handwerk war, das von Hand ausgeführt wurde, wird nun durch schnelle Maschinenproduktion ersetzt, was es für Kunsthandwerker:innen schwierig macht, auf diesem Markt zu konkurrieren.
Infolgedessen erleben diese Gemeinschaften einen doppelten Verlust – nicht nur werden sie nicht angemessen für ihre harte Arbeit entlohnt, sondern ihre Gesamtsituation verbessert sich auch nicht. Stattdessen fließen die Gewinne aus ihrem kulturellen Erbe hauptsächlich an große Unternehmen, was das Ungleichgewicht weiter verschärft.
Ein ethischer Ansatz würde bedeuten, diese Gewinne den Gemeinschaften der Kunsthandwerker:innen zurückzugeben und ihnen faire Löhne für ihre Beiträge zu gewährleisten, sei es für das originale Design oder die gesamte handwerkliche Arbeit. Leider vernachlässigen viele Fast-Fashion-Marken diese Verantwortung und entschädigen diese Gemeinschaften nicht angemessen für ihre kulturellen Beiträge.
Mangelnde Sichtbarkeit
Louis Vuitton beispielsweise bot ein Keffiyeh für 750 US-Dollar an und bezeichnete es als Symbol für den palästinensischen Kampf – während gleichzeitig behauptet wurde, “neutral” zur israelischen Kolonisierung zu stehen.
Dasselbe gilt für Etro, das kürzlich die Ästhetik der nordamerikanischen Navajo-Indianer für seine Kollektion verwendete. Große Unternehmen eignen oft Objekte, Traditionen, Musik und Kunst an, um von diesen Gemeinschaften zu profitieren, ohne sich um deren Anliegen zu kümmern.
Wie zuvor erwähnt, ist die Sichtbarkeit in der Modebranche stark verzerrt, mit Luxus- und Fast-Fashion-Marken, die massive Marketingkampagnen durchführen und die Bemühungen von Kunsthandwerker:innen und kleinen Marken, kulturelle Traditionen zu präsentieren, überschatten. Um einen ethischen Ansatz zu verfolgen, ist es entscheidend, echte Zusammenarbeit mit Handwerker:innen und Designer:innen aus diesen Ländern zu pflegen, um ihnen die gebührende Anerkennung und Sichtbarkeit zu geben.
Eine echte Zusammenarbeit bedeutet nicht nur, die Arbeit der Kunsthandwerker:innen zu präsentieren, sondern auch sicherzustellen, dass sie angemessen anerkannt und mit guten Arbeitsbedingungen und fairen Löhnen entlohnt werden. Leider betonen Luxus- und Fast-Fashion-Marken oft nicht die Herausforderungen, denen diese Gemeinschaften gegenüberstehen, und eignen sich stattdessen kulturelle Symbole für Profit an, ohne ihre tatsächlichen Anliegen zu berücksichtigen.
Darüber hinaus können Modeunternehmen diese Gemeinschaften ausnutzen, weil sie nicht weit verbreitet bekannt sind und eine wirtschaftliche Vulnerabilität aufweisen. In der Tat verschlimmert sich die Situation, wenn diese Gemeinschaften unsichtbar und finanziell fragil bleiben. Dieses Phänomen entspricht dem, was die schwarze Gemeinschaft in den Vereinigten Staaten mit dem Sprichwort “Sie wollen unseren Rhythmus, aber nicht unser Blues” zum Ausdruck bringt.
Kulturelles Erbe und Slow Fashion
Die Integration von Kunsthandwerk oder traditionellem Wissen in deine Designs als Designer:in oder Marke repräsentiert einen Slow-Fashion-Ansatz.
Einzigartige und hochwertige Stücke
Marken, die traditionelles Handwerk verwenden, bieten in der Regel einzigartige, handgefertigte Stücke an. Slow Fashion ist sehr lokal orientiert und verwendet faire Handelsmaterialien und hochwertige Stoffe. Dein Kauf wird von höchster Qualität sein, weil Design, Materialien und Herstellung vor Ort von erfahrenen Kunsthandwerker:innen durchgeführt werden, die die Werkzeuge und Techniken beherrschen.
Handgefertigte Stücke in Slow Fashion überdauern saisonale Trends; sie sind zeitlos und außergewöhnlich langlebig aufgrund der sorgfältigen Auswahl der Materialien. Im Gegensatz zur Fast-Fashion, die auf kostengünstige Materialien für eine höhere Rentabilität setzt, konzentriert sich Slow Fashion auf lang anhaltende Qualität. Die Absicht ist es, dir Artikel anzubieten, die die Zeit überdauern, um eine Kultur des häufigen Konsums und der Verschwendung zu entmutigen.
Zusammenarbeit mit Kunsthandwerker:innen: Eine faire Partnerschaft
Die Fast-Fashion-Industrie ist stark von der Ausbeutung ihrer Arbeitnehmer:innen abhängig, die lange Arbeitszeiten, schlechte Arbeitsbedingungen und niedrige Löhne ertragen müssen. Andererseits haben Designer:innen oder Markengründer:innen, die ihr kulturelles Erbe in ihre Arbeit integrieren, oft eine engere Beziehung zu ihrer Gemeinschaft und den Kunsthandwerker:innen. Sie legen Wert auf faire Löhne und anständige Arbeitsbedingungen, fördern eine kooperative und wertschätzende Atmosphäre, die die Handwerkskunst dieser Kunsthandwerker:innen wertschätzt.
Im Gegensatz zur Fast-Fashion präsentieren diese Marken die Geschichten und Praktiken der Kunsthandwerker:innen und geben ihnen so ein Gesicht und einen Namen. Dieser Ansatz ermöglicht es den Kunsthandwerker:innen, von ihrer Kunst zu leben.
Darüber hinaus werden Slow-Fashion-Unternehmer:innen ermutigt, ihre Waren so lokal wie möglich zu produzieren. Dadurch unterstützen sie die lokale Wirtschaft und fördern Nachhaltigkeit und verantwortungsbewusste Produktionspraktiken.
In der Slow-Fashion-Bewegung ist die Produktionskette absichtlich transparent, was die traditionelle Hierarchie zwischen Kreativen, Verbraucher:innen und Produzent:innen verändert. Diese Transparenz fördert eine tiefere Verbindung zwischen allen beteiligten Parteien und reduziert unnötige Zwischenhändler:innen. Als Ergebnis gewinnen Verbraucher:innen eine größere Wertschätzung für den kulturellen und materiellen Wert der Produkte, die sie kaufen.
Die geteilte Verpflichtung aller Beteiligten ist klar – einen positiven Einfluss auf die Umwelt und die Gesellschaft insgesamt zu schaffen.
Produktion in kleinen Mengen
Fast-Fashion-Marken produzieren täglich eine überwältigende Anzahl von Kleidungsstücken, wobei allein SHEIN täglich über 8000 Stücke herstellt. Diese massive Produktion hat eine verheerende Auswirkung auf die Umwelt, insbesondere wenn man bedenkt, dass viele dieser Stücke aus Materialien wie Polyester hergestellt werden und in empfindlichen Ökosystemen landen. Viele dieser minderwertigen Fast-Fashion-Artikel werden schnell aussortiert und legen enorme Strecken von Spendenkisten in Europa bis zu Ländern im Globalen Süden wie Ghana oder Uganda zurück.
Andererseits können Marken, die mit Kunsthandwerker:innen in der Slow-Fashion zusammenarbeiten, keine Artikel in solch großen Mengen herstellen, da jede Einzelheit sorgfältig von Hand gefertigt wird. Diese Achtung vor dem persönlichen Arbeitstempo der einzelnen Kunsthandwerker:innen ist ein großer Vorteil für die Umwelt, da dadurch verschwenderische Überproduktion minimiert und die Belastung für Ressourcen reduziert wird.
Indem du eine kleine Marke in der Slow-Fashion-Bewegung unterstützt, trägst du aktiv dazu bei nachhaltige Produktionspraktiken zu fördern.
“Social Washing” als Mittel zur Ausbeutung des kulturellen Erbes
In den letzten Jahren ist das Interesse der Verbraucher:innen am Produktionsprozess ihrer Kleidung deutlich gewachsen. Laut McKinsey betrachten “67 % der Verbraucher:innen den Einsatz nachhaltiger Materialien als wichtigen Faktor bei ihren Kaufentscheidungen, und 63 % schätzen Marken, die Nachhaltigkeit fördern.” Daher bezeichnen sich viele Marken schnell als öko-verantwortlich oder zirkulär, um diese bewussten Verbraucher:innen anzulocken.
Es ist jedoch wichtig, wachsam zu sein, da einige Marken traditionelles Wissen ausbeuten können, während sie gleichzeitig behaupten, Frauen aus der Armut zu befreien oder suggerieren, dass Kunsthandwerker:innen ohne ihr Eingreifen verarmt wären. Diese Praxis wirft ethische Bedenken auf und zeigt die Bedeutung der Überprüfung der Authentizität von Nachhaltigkeitsaussagen, die von Marken gemacht werden.
Trotz der Armut, mit der Kunsthandwerker:innen in Entwicklungsländern oft zu kämpfen haben, ist es nicht gerechtfertigt, dass Schöpfer:innen oder Marken ihr Wissen gegen eine geringe Entlohnung ausbeuten, während die Marke erhebliche Gewinne und Marketingvorteile aus dem vermeintlichen sozialen Aspekt zieht. Marken mit wirtschaftlicher Macht und Sichtbarkeit nutzen oft die ungleiche Beziehung aus, indem sie ihr Privileg ausnutzen, obwohl sie sich der Disparität bewusst sind. Sie versuchen möglicherweise, ihr Schuldgefühl durch kleine Spenden an NGOs zu besänftigen. Leider sind solche Praktiken in der Modebranche weit verbreitet und als “Social Washing” und “White Saviourism” bekannt.
Social Washing ist eine Taktik, die von Unternehmen angewendet wird, um die Aufmerksamkeit der Verbraucher:innen von den schädlichen Auswirkungen abzulenken, die ihre Produktion auf die Umwelt und die Menschen hat. Indem sie sich als “nachhaltig” oder “sozial verantwortlich” präsentieren, können sie das Bewusstsein der Verbraucher:innen trüben und ihre Marken in einem besseren Licht erscheinen lassen.
Der “White Saviourism” oder das “White Saviour Complex” ist eine Ideologie, bei der eine weiße Person eine überlegene Position einnimmt, um eine BIPOC (Schwarze, indigene oder Personen mit Hautfarbe) Gemeinschaft oder Einzelperson zu “retten” oder zu “helfen”. Diese Techniken zielen darauf ab, das Bewusstsein von verantwortungsbewussten Verbraucher:innen anzusprechen.
In Wirklichkeit bereichern sich Marken oft auf Kosten von Kunsthandwerker:innen, die kaum überleben können. Die Marke nutzt das Know-how der Kunsthandwerker:innen und verwendet hochwertige Materialien, während sie niedrige Löhne zahlt, was zu höheren Gewinnen für das Unternehmen führt.
Anstatt mit Kunsthandwerker:innen zusammenzuarbeiten und lokale Gemeinschaften zu unterstützen, diktiert die Marke die meisten Aspekte, einschließlich der Gehälter.
Wenn du darauf hinarbeitest, eine Marke auf der Grundlage traditionellen Know-hows zu schaffen, ohne bereits eine Verbindung zu dieser Gemeinschaft zu haben, ist es entscheidend, gründlich zu erforschen, was bereits lokal vorhanden ist.
Kulturelles und ethisches Erbe
Die COSH!-Plattform ist voller Marken und Boutiquen, die Gemeinschaften, ihr Erbe und ihre Umwelt unterstützen. Entdecke diese Unternehmer:innen und ihre zeitlosen und einzigartigen Stücke.
Guave
Eine Liebe für Batik in Amsterdam
Guave, die Fair Fashion-Marke mit Sitz in Amsterdam, hat eine tiefe Leidenschaft für Javanische Batik, Nachhaltigkeit und faire Produktion. Diese Liebe für Javanische Batik-Stoffe spiegelt sich wunderschön in ihrer beeindruckenden Kollektion von Batik-Drucken wider. Guave verpflichtet sich, Batikdrucke ethisch von kleinen, unabhängigen Unternehmen in Indonesien zu beziehen.
Um wertvolle Einblicke in ihre Herangehensweise an die Integration des kulturellen Erbes in ihre Marke zu erhalten, hatten wir die Gelegenheit, die Gründer von Guave zu interviewen.
Hat das kulturelle Erbe oder das Kunsthandwerk eures Landes euch dazu inspiriert, eure Marke zu gründen? Wenn ja, wie?
Wir sind in den Niederlanden geboren und haben vor allem väterlicherseits Vorfahren aus Java, Indonesien. Vor etwa einem Jahrzehnt haben wir unsere Familiengeschichte und die historischen Verbindungen zwischen Indonesien und den Niederlanden erforscht. Diese Reise, unsere Identität und ihre Bedeutung zu verstehen, verflocht sich natürlich mit unserer Leidenschaft für Textilien und Mode.
Interessanterweise brachte uns das Schicksal während unseres Studiums an der Kunstakademie zusammen, wo wir Modedesign studierten. Wir stellten fest, dass die Ausdrucksweise und Gestaltung unserer Identität durch Kleidung tief mit uns resonierten, was uns dazu führte, die Kunst des Batik zu entdecken. Als wir uns weiter in dieses traditionelle Handwerk vertieften, wurde Batik zum zentralen Fokus und zur Erzählung unserer Marke Guave.
Warum ist es für euch wichtig, euer kulturelles Erbe zu fördern?
Für uns bei Guave ist es von größter Bedeutung, das kulturelle Erbe des Batik als mehr als nur ein Handwerk, sondern als jahrhundertealte Tradition zu fördern. Diese bemerkenswerte Kunst wurde 2009 als Teil des immateriellen Weltkulturerbes von der UNESCO anerkannt und ist somit ein bedeutender Teil unserer gemeinsamen Menschheitsgeschichte. Über Generationen hinweg haben die Menschen in Java Batik verwendet, um Geschichten zu teilen und sich durch ihre Kleidung auszudrücken. Es hat eine tiefere Bedeutung, die über ein einfaches Stück Stoff hinausgeht; es repräsentiert Geschichten und Traditionen, die von Mutter zu Tochter weitergegeben wurden und mit Liebe und sorgfältiger Aufmerksamkeit gearbeitet wurden, mit Linie für Linie und Punkt für Punkt sorgfältig gefertigt.
Unsere Marke Guave verkörpert diese Essenz von Batik – Kleidung mit einer fesselnden Erzählung, liebevoll handgefertigt und trägt das Erbe von Generationen. Wir glauben fest daran, dass wahres Handwerk mit Nachhaltigkeit einhergeht. Die Herstellung von Batik erfordert Zeit und Hingabe und führt zu einem einzigartigen und wertvollen Kunstwerk. Trotz des Wettbewerbs durch die Fast-Fashion-Industrie hebt sich authentisch handgefertigtes Batik deutlich von industriell gedruckten Versionen ab. Diese Unterscheidung ermöglicht es uns, nur echtes handgefertigtes Batik in unseren Kreationen zu verwenden, um dieses wunderschöne Handwerk zu fördern und die Menschen zu inspirieren, bewusste Entscheidungen zu treffen. Wir streben danach, eine Wertschätzung für die zeitlosen Handwerke zu fördern, die unsere Welt seit Jahrhunderten geziert haben.
Habt ihr bei der Gründung eurer Marke die Möglichkeit einer Ausbeutung des kulturellen Erbes und des Kunsthandwerks durch große Unternehmen aus dem Globalen Norden berücksichtigt?
Bei der Gründung unserer Marke haben wir äußerste Vorsicht walten lassen und uns in zahlreiche Gespräche mit Personen aus der Mode- und Batikbranche eingelassen. Unsere Kernwerte drehen sich um faire Preise, ethische Arbeitspraktiken und vollständige Transparenz in unseren Beziehungen zu den Menschen, mit denen wir zusammenarbeiten. Wir glauben fest an die Bedeutung, die Kunst des Batik zu feiern und zu fördern, daher verzichten wir darauf, die Preise, die von den geschickten Batikhersteller:innen festgelegt werden, zu verhandeln. Wir halten uns auch davon fern, uns in ihre Designs einzumischen, da wir ihre Expertise als wahre Künstler:innen anerkennen, die ihr Handwerk im Laufe der Jahre verfeinert haben.
Transparenz war ein wesentliches Element unserer Herangehensweise. Wir kommunizieren offen mit unseren Kund:innen und Online-Anhänger:innen und teilen die fesselnden Geschichten hinter den Batik-Kreationen sowie die Bedeutung der Motive. Wir wollen ein Gefühl der Verbindung und Wertschätzung für dieses alte Handwerk schaffen. Indem wir unser Publikum über den Wert dieser Stoffe aufklären und sie respektvoll behandeln, hoffen wir, das reiche Erbe des Batik zu ehren und seine anhaltende Wirkung sicherzustellen.
Habt ihr eine Aussage, um euer Projekt und seine Beziehung zu eurer Kultur zu beschreiben?
“Verlangsamt euch, seid bunt und teilt die Liebe für Batik mit uns!”
Indikon
Zeitlose und ethisch hergestellte indische Blockdruck-Textilaccessoires
Indikon ist eine Marke, die 2021 in Brüssel von Radhika, einer ehemaligen Anwältin indischer Herkunft, gegründet wurde. Durch ihre Marke möchte Radhika die Essenz zweier Länder einfangen: das Kunsthandwerk ihrer Heimat und die Ästhetik des antiken Griechenlands.
Hat dein kulturelles Erbe dich dazu inspiriert, deine Marke zu gründen? Wenn ja, warum?
Ich möchte das kulturelle Erbe als wesentliches Konzept bewahren, nicht nur in der indischen oder griechischen Kultur, sondern in allen Kulturen weltweit. Leider stehen viele kulturellen Erbe vor der Gefahr des Verschwindens, da Fast-Fashion-Marken sie ausbeuten und zu flüchtigen Trends machen, ohne Rücksicht auf die Bewahrung ihrer vielfältigen, reichen Geschichte.
Was ist deine Beziehung zu Kunsthandwerker:innen? Wie sind sie in deiner Marke involviert?
Durch meine Arbeit arbeite ich eng mit Kunsthandwerker:innen zusammen, um wertvolles kulturelles Erbe zu bewahren und weiterzugeben. Meine Marke konzentriert sich vor allem darauf, diese Kunsthandwerker:innen zu verteidigen und ihre Rechte und Lebensgrundlagen zu schützen.
Ich habe jedoch festgestellt, dass diese Handwerke vor allem von Männern ausgeübt werden, was mich dazu veranlasst hat, Möglichkeiten zu suchen, um aktiv mit Frauen zusammenzuarbeiten und sie zu unterstützen. Um Frauen zu stärken und die Gleichstellung der Geschlechter zu fördern, arbeite ich mit NGOs für Frauen zusammen, die sich der Bildung, Ermächtigung und Gesundheitsversorgung verschrieben haben. Durch diese Partnerschaften wollen wir das Leben von Frauen positiv beeinflussen und zu ihrer Entwicklung in verschiedenen Bereichen der Gesellschaft beitragen.
In unserer Kollektion bei Indikon findet man eine Reihe von exquisiten Produkten, die vom kulturellen Erbe inspiriert sind. Man kann wunderschöne Schals entdecken, die von antiken griechischen Theatern inspiriert sind, bedruckte Platzdeckchen, die deinen Tisch verschönern, und handbedruckte Pyjamas aus Bio-Baumwolle. Jedes Stück feiert die reiche Geschichte dahinter und unterstützt die geschickten Kunsthandwerker:innen und Frauen, deren Hingabe diese Kreationen zum Leben erweckt.
Maqu
In Berlin ansässige nachhaltige Modemarke, die peruanische Tradition und Handwerkskunst mit modernem Design kombiniert.
Marisa Fuentes Prado, die Designerin hinter Maqu, hat eine Marke gegründet, die Nachhaltigkeit als Leitprinzip übernimmt. Mit sorgfältiger Aufmerksamkeit kuratiert sie Produktionsmethoden, Materialien und Ursprünge, um Natur und Lebensgrundlagen zu erhalten. Marisas Wurzeln in Lima, Peru, und ihre Erfahrung im Modedesign in Europa positionieren sie einzigartig, um die Kluft zwischen Kulturen und Kontinenten zu überbrücken.
Bei Maqu hat jedes Material eine Geschichte, da Marisa kontinuierlich die Innovationen der Natur erkundet. Mit einem starken Fokus auf ökologische und faire Handelspraktiken verbindet die Marke gekonnt Tradition und Moderne. Ob einzelne Stücke oder kleine Serien, alle Produkte werden liebevoll in Deutschland und Peru von Hand gefertigt, als Zeugnis für Maqu’s Engagement für Qualität und Nachhaltigkeit.
Die Kollektionen von Maqu zelebrieren die peruanischen und europäischen Einflüsse und beinhalten verschiedene farbenfrohe und einzigartige Stücke, die aus recycelten Materialien hergestellt wurden.
JIWYA
Schutz indischer Handwerkstraditionen für nachhaltigere Mode
Das im indischen Nashik ansässige Unternehmen JIWYA ist mehr als eine Modemarke; es ist eine Hommage an Indiens reiches Erbe und nachhaltiges Ethos. JIWYA wurde von zwei Freunden gegründet, die eine große Liebe für textile Traditionen empfinden und und sich für den Schutz alter Handwerke und Techniken einsetzen.
Mit einem Netzwerk von über 100 qualifizierten Kunsthandwerker*innen ehrt JIWYA das vielfältige kulturelle Erbe Indiens. Jede Kunsthandwerkerin und jeder Kunsthandwerker, der oder die für sein oder ihr Können anerkannt ist, trägt zum Engagement der Marke für Authentizität bei. Durch die Bevorzugung natürlicher Materialien und altertümlicher Designs stellt JIWYA sicher, dass traditionelle Handwerkskunst in einem modernen, nachhaltigen Kontext wächst.
Durch die Verwendung von Baumwolle aus Regenwäldern und pflanzlichen Farbstoffen setzt sich JIWYA bei jedem Schritt für umweltfreundliche Praktiken ein. Mit Transparenz und sorgfältiger Beschaffung stellt die Marke die geschickten Hände hinter jeder Kreation in den Vordergrund und würdigt den Beitrag der Kunsthandwerker*innen zu verantwortungsvoller Mode.
Im Wesentlichen steht JIWYA für das dauerhafte Erbe der indischen Handwerkskunst und verwebt Tradition, Nachhaltigkeit und Stil in jedem Kleidungsstück.
IMAIMAI
Eine Mischung aus Bescheidenheit, Diversität und Selbstbestimmung
Verwurzelt in der kulturellen Vielfalt Berlins, ist ÏMAIMA mehr als nur ein Modelabel; es ist ein Fest der Bescheidenheit, der Vielfalt und des Empowerments. Das Herzstück der ÏMAIMA-Philosophie ist die Hingabe an die Handwerkskunst und das kulturelle Erbe. Jedes Kleidungsstück erzählt eine Geschichte von akribischer Kunstfertigkeit, wobei die Materialien sorgfältig aus Jaipur in Indien, bezogen werden. Die Vision der Gründerin Bahhareh geht über die Mode hinaus und zielt darauf ab, ein Vermächtnis zur Selbstbestimmung und des ökologischen Verantwortungsbewusstseins zu hinterlassen.
Die Reise von ÏMAIMA begann mit der bewussten Entscheidung, eine verantwortungsvolle Produktionsbasis in Indien zu errichten, die auf faire Löhne, sichere Arbeitsbedingungen und gegenseitigen Respekt setzt. Trotz ihres Wachstums bleibt die Marke eng mit ihren Handwerker*innen verbunden und fördert ein Gefühl der Gemeinschaft und Zusammenarbeit. Bahharehs Beteiligung am Tagesgeschäft stellt sicher, dass die moralischen Werte der Marke in jeder Phase der Produktion aufrechterhalten werden.
Über den Arbeitsplatz hinaus setzt sich ÏMAIMA dafür ein, die berufliche Entwicklung und das persönliche Wohlergehen seiner Kunsthandwerker*innen zu unterstützen, einen Beitrag zur lokalen Wirtschaft zu leisten und dauerhafte Beziehungen innerhalb der Gemeinschaft zu fördern. Durch Partnerschaften mit Nichtregierungsorganisationen wie UMANG in Jaipur kann ÏMAIMA weiterhin einen positiven Einfluss ausüben und Frauen sowohl als Verbraucher*innen und Produzenten stärken.
JYOTI FAIR WORKS
Stärkung der Frauen durch fair produzierte Mode
Das in Berlin ansässige Jyoti Fair Works geht über das traditionelle Modegeschäft hinaus und bietet nicht nur exquisite Kleidungsstücke, sondern ist auch ein Leuchtfeuer der Hoffnung für Frauen in Indien. Gegründet von Jeanine, einer leidenschaftlichen Jurastudentin mit dem Wunsch nach sozialem Wandel, ist Jyoti Fair Works ein Statement für die transformative Kraft verantwortungsvoller Mode.
Über die Mode hinaus ist Jyoti Fair Works eine Geschichte des Empowerments. Durch die Partnerschaft mit drei Nähwerkstätten in Indien, die mit von Frauen geführten Nichtregierungsorganisationen verbunden sind, unterstützt die Marke 40 Frauen direkt, indem sie ihnen ein stabiles Einkommen, Zugang zu medizinischer Versorgung und Möglichkeiten zur persönlichen und beruflichen Weiterentwicklung bietet. Durch faire Löhne und flexible Arbeitszeiten ermöglicht es Jyoti Fair Works diesen Frauen, ihre Familien zu unterstützen und gleichzeitig ihre Träume zu verwirklichen.
Wie Jeanine, die Gründerin, es treffend formuliert: “Wir können die Textilindustrie vielleicht nicht allein verändern, aber wir können als positives Beispiel dienen.” Mit jedem Kleidungsstück verkörpert Jyoti Fair Works die Überzeugung, dass Mode eine Kraft für das Gute sein kann, indem sie Frauen stärkt und einen Wandel anregt, Stich für Stich.
