
17 Januar 2025
Was passiert mit Sheins Retouren?
- Greenwashing
Wie pflegt Slow Fashion kulturelles Erbe?
Interessierst du dich für Prints, handgefertigte Stücke oder Kleidung ethnischer Gruppen? Hast du dir jemals Gedanken über die Geschichten hinter diesen einzigartigen Kreationen gemacht? Wenn diese Marken ethisch handeln und die Wertschätzung für ihre Handwerker:innen und Handwerkskunst ernst nehmen, stellen sie sicher, dass ihnen angemessene Anerkennung und finanzielle Entlohnung zuteilwird. Leider nutzen viele Fast-Fashion-Marken dieses Know-how aus, ohne die Schöpfer:innen angemessen zu würdigen.
Bei COSH! setzen wir uns für nachhaltigere Marken ein, die nicht nur die Umwelt schützen, sondern auch ihr kulturelles Erbe bewahren. In diesem Artikel stellen wir dar, wie diese Marken, die ihre kulturellen Wurzeln leben, auch die Prinzipien von Slow Fashion befolgen. Unsere umweltbewussteren Unternehmer:innen werden außerdem ihre ethischere Herangehensweise an die Integration traditioneller Fähigkeiten teilen.
Für Verbraucher:innen und angehende Unternehmer:innen bieten wir wertvolle Ratschläge:
Die Mode schöpft ihre Inspiration aus verschiedenen Quellen, darunter Kunst, Literatur, Musik und kulturelle Traditionen. Diese Elemente bilden zusammen das, was wir als kulturelles Erbe bezeichnen.
Laut der Central European University umfasst kulturelles Erbe die greifbaren Aspekte des Erbes einer Gruppe oder Gesellschaft, wie kulturelle Artefakte, sowie die immateriellen Eigenschaften, die von der Vergangenheit überliefert werden. Heritage for Peace definiert es weiter als den Ausdruck entwickelter Lebensstile einer Gemeinschaft, einschließlich Bräuchen, Praktiken, Orten, Gegenständen, künstlerischen Ausdrucksformen und Werten, die von einer Generation an die nächste weitergegeben werden.
Das kulturelle Erbe ist also eng mit Gemeinschaften und den Menschen verbunden, die dieses Wissen generieren. Leider wird diese Verbindung in der Modebranche oft unterbrochen, und dieses wertvolle Wissen wird ohne angemessene Anerkennung oder Würdigung ausgebeutet. Diese Ausbeutung macht die menschlichen Beitragenden und ihre Anliegen unsichtbar, obwohl sie aufgrund von Faktoren wie ihrer geografischen Lage, finanziellen Situation, Herkunft und anderen Umständen Gefahren ausgesetzt sein können.
Die Modebranche hat eine beunruhigende Geschichte der Aneignung von Kunsthandwerkswissen, ohne die Gemeinschaften zu würdigen oder zu ehren, die diese Kreationen hervorgebracht haben. Beispielsweise finden sich in Sommerkollektionen häufig Accessoires mit stereotypisierten Designs der amerikanischen Ureinwohner:innen, mexikanischen Drucken, indischen Saris und malischen Mustern. Bedauerlicherweise werden diese Muster und Kunsthandwerkstechniken oft entwertet und ausgebeutet, sei es durch den Verkauf zu reduzierten Preisen während der Sommerschlussverkäufe oder durch überproportionale Preiserhöhungen von Luxusmarken.
Vor kurzem hat Mexiko rechtliche Schritte gegen Zara und Patowl unternommen, weil sie Elemente des kulturellen Erbes indigener Völker in ihre Kollektionen aufgenommen haben. Alejandra Frausto, die mexikanische Kulturministerin, betonte, dass “dies ein Grundsatz ethischer Überlegung ist, der uns lokal und global verpflichtet, auf den Schutz der Rechte indigener Völker aufmerksam zu machen, die historisch unsichtbar waren.”
Die Situation mit der Marke Zara von Inditex sowie Patowl und anderen Modeunternehmen wie Isabel Marant, Mango und Carolina Herrera verdeutlicht ein beunruhigendes Muster von kultureller Aneignung und Ausbeutung in der Modebranche. Diese Marken haben Elemente wie traditionelle Muster für T‑Shirts oder Kleider aus dem kulturellen Erbe indigener Gemeinschaften übernommen. Von Oaxaca bis San Juan wurden die Mixteken und Zapoteken Gemeinden aus der Gemeinschaft San Antonino Castillo Velasco nicht angemessen für den Ursprung dieser Designs anerkannt.
Wie die Mexikanische Kulturministerin feststellte, wurden Ethik völlig ignoriert und die Rechte und Kämpfe dieser schutzbedürftigen Gemeinschaften wurden übersehen. Es ist ein offensichtliches Beispiel dafür, wie die Modebranche von der Arbeit marginalisierter und indigener Gruppen profitieren kann, ohne wesentliche Konsequenzen zu tragen.
In der Modewelt beobachten wir oft ein erhebliches wirtschaftliches Ungleichgewicht, das mit Besorgnis betrachtet werden muss. Es zeigt sich ein bedenklicher Trend, bei dem das kulturelle Erbe oder die kulturelle Aneignung hauptsächlich in eine Richtung fließt: von der globalen Nordhalbkugel zur globalen Südhalbkugel.
In dieser Dynamik eignen sich Unternehmen aus dem Norden das traditionelle Wissen und die Expertise von Gemeinschaften aus dem Süden an, mechanisieren oder industrialisieren ihre Kreationen und verkaufen sie dann entweder zu niedrigen Preisen oder zu überproportionalen hohen Preisen.
Was einst ein geschicktes Handwerk war, das von Hand ausgeführt wurde, wird nun durch schnelle Maschinenproduktion ersetzt, was es für Kunsthandwerker:innen schwierig macht, auf diesem Markt zu konkurrieren.
Infolgedessen erleben diese Gemeinschaften einen doppelten Verlust – nicht nur werden sie nicht angemessen für ihre harte Arbeit entlohnt, sondern ihre Gesamtsituation verbessert sich auch nicht. Stattdessen fließen die Gewinne aus ihrem kulturellen Erbe hauptsächlich an große Unternehmen, was das Ungleichgewicht weiter verschärft.
Ein ethischerer Ansatz würde bedeuten, diese Gewinne den Gemeinschaften der Kunsthandwerker:innen zurückzugeben und ihnen fairere Löhne für ihre Beiträge zu gewährleisten, sei es für das originale Design oder die gesamte handwerkliche Arbeit. Leider vernachlässigen viele Fast-Fashion-Marken diese Verantwortung und entschädigen diese Gemeinschaften nicht angemessen für ihre kulturellen Beiträge.
Louis Vuitton beispielsweise bot ein Keffiyeh für 750 US-Dollar an und bezeichnete es als Symbol für den palästinensischen Kampf – während gleichzeitig behauptet wurde, “neutral” zur israelischen Kolonisierung zu stehen.
Dasselbe gilt für Etro, das kürzlich die Ästhetik der nordamerikanischen Navajo-Indianer für seine Kollektion verwendete. Große Unternehmen eignen oft Objekte, Traditionen, Musik und Kunst an, um von diesen Gemeinschaften zu profitieren, ohne sich um deren Anliegen zu kümmern.
Wie zuvor erwähnt, ist die Sichtbarkeit in der Modebranche stark verzerrt, mit Luxus- und Fast-Fashion-Marken, die massive Marketingkampagnen durchführen und die Bemühungen von Kunsthandwerker:innen und kleinen Marken, kulturelle Traditionen zu präsentieren, überschatten. Um einen ethischeren Ansatz zu verfolgen, ist es entscheidend, echte Zusammenarbeit mit Handwerker:innen und Designer:innen aus diesen Ländern zu pflegen, um ihnen gebührende Anerkennung und Sichtbarkeit zu geben.
Eine echte Zusammenarbeit bedeutet nicht nur, die Arbeit der Kunsthandwerker:innen zu präsentieren, sondern auch sicherzustellen, dass sie angemessen anerkannt und mit guten Arbeitsbedingungen und faireren Löhnen entlohnt werden. Leider betonen Luxus- und Fast-Fashion-Marken oft nicht die Herausforderungen, denen diese Gemeinschaften gegenüberstehen, und eignen sich stattdessen kulturelle Symbole für Profit an, ohne ihre tatsächlichen Anliegen zu berücksichtigen.
Darüber hinaus können Modeunternehmen diese Gemeinschaften ausnutzen, weil sie nicht weit verbreitet bekannt sind und eine wirtschaftliche Vulnerabilität aufweisen. In der Tat verschlimmert sich die Situation, wenn diese Gemeinschaften unsichtbar und finanziell fragil bleiben. Dieses Phänomen entspricht dem, was die schwarze Gemeinschaft in den Vereinigten Staaten mit dem Sprichwort “Sie wollen unseren Rhythmus, aber nicht unser Blues” zum Ausdruck bringt.
Die Integration von Kunsthandwerk oder traditionellem Wissen in deine Designs als Designer:in oder Marke repräsentiert einen Slow-Fashion-Ansatz.
Marken, die traditionelles Handwerk verwenden, bieten in der Regel einzigartige, handgefertigte Stücke an. Slow Fashion ist sehr lokal orientiert und verwendet fairere Handelsmaterialien und hochwertige Stoffe. Dein Kauf wird von höchster Qualität sein, weil Design, Materialien und Herstellung vor Ort von erfahrenen Kunsthandwerker:innen durchgeführt werden, die die Werkzeuge und Techniken beherrschen.
Handgefertigte Stücke in Slow Fashion überdauern saisonale Trends; sie sind zeitlos und außergewöhnlich langlebig aufgrund der sorgfältigen Auswahl der Materialien. Im Gegensatz zur Fast-Fashion, die auf kostengünstige Materialien für eine höhere Rentabilität setzt, konzentriert sich Slow Fashion auf lang anhaltende Qualität. Die Absicht ist es, dir Artikel anzubieten, die die Zeit überdauern, um eine Kultur des häufigen Konsums und der Verschwendung zu entmutigen.
Die Fast-Fashion-Industrie ist stark von der Ausbeutung ihrer Arbeitnehmer:innen abhängig, die lange Arbeitszeiten, schlechte Arbeitsbedingungen und niedrige Löhne ertragen müssen. Andererseits haben Designer:innen oder Markengründer:innen, die ihr kulturelles Erbe in ihre Arbeit integrieren, oft eine engere Beziehung zu ihrer Gemeinschaft und den Kunsthandwerker:innen. Sie legen Wert auf fairere Löhne und anständige Arbeitsbedingungen, fördern eine kooperative und wertschätzende Atmosphäre, die die Handwerkskunst dieser Kunsthandwerker:innen wertschätzt.
Im Gegensatz zur Fast-Fashion präsentieren diese Marken die Geschichten und Praktiken der Kunsthandwerker:innen und geben ihnen so ein Gesicht und einen Namen. Dieser Ansatz ermöglicht es den Kunsthandwerker:innen, von ihrer Kunst zu leben.
Darüber hinaus werden Slow-Fashion-Unternehmer:innen ermutigt, ihre Waren so lokal wie möglich zu produzieren. Dadurch unterstützen sie die lokale Wirtschaft und fördern Nachhaltigkeit und verantwortungsbewusstere Produktionspraktiken.
In der Slow-Fashion-Bewegung ist die Produktionskette absichtlich transparent, was die traditionelle Hierarchie zwischen Kreativen, Verbraucher:innen und Produzent:innen verändert. Diese Transparenz fördert eine tiefere Verbindung zwischen allen beteiligten Parteien und reduziert unnötige Zwischenhändler:innen. Als Ergebnis gewinnen Verbraucher:innen eine größere Wertschätzung für den kulturellen und materiellen Wert der Produkte, die sie kaufen.
Die geteilte Verpflichtung aller Beteiligten ist klar – einen positiven Einfluss auf die Umwelt und die Gesellschaft insgesamt zu schaffen.
Fast-Fashion-Marken produzieren täglich eine überwältigende Anzahl von Kleidungsstücken, wobei allein SHEIN täglich über 8000 Stücke herstellt. Diese massive Produktion hat eine verheerende Auswirkung auf die Umwelt, insbesondere wenn man bedenkt, dass viele dieser Stücke aus Materialien wie Polyester hergestellt werden und in empfindlichen Ökosystemen landen. Viele dieser minderwertigen Fast-Fashion-Artikel werden schnell aussortiert und legen enorme Strecken von Spendenkisten in Europa bis zu Ländern im Globalen Süden wie Ghana oder Uganda zurück.
Andererseits können Marken, die mit Kunsthandwerker:innen in der Slow-Fashion zusammenarbeiten, keine Artikel in solch großen Mengen herstellen, da jede Einzelheit sorgfältig von Hand gefertigt wird. Diese Achtung vor dem persönlichen Arbeitstempo der einzelnen Kunsthandwerker:innen ist ein großer Vorteil für die Umwelt, da dadurch die verschwenderische Überproduktion minimiert und die Belastung für Ressourcen reduziert wird.
Indem du eine kleine Marke in der Slow-Fashion-Bewegung unterstützt, trägst du aktiv dazu bei, nachhaltigere Produktionspraktiken zu fördern.
In den letzten Jahren ist das Interesse der Verbraucher:innen am Produktionsprozess ihrer Kleidung deutlich gewachsen. Laut McKinsey betrachten “67 % der Verbraucher:innen den Einsatz nachhaltiger Materialien als wichtigen Faktor bei ihren Kaufentscheidungen, und 63 % schätzen Marken, die Nachhaltigkeit fördern.” Daher bezeichnen sich viele Marken schnell als “eco-responsible” oder “zirkulär”, um diese bewussten Verbraucher:innen anzulocken.
Es ist jedoch wichtig, wachsam zu sein, da einige Marken traditionelles Wissen ausbeuten können, während sie gleichzeitig behaupten, Frauen aus der Armut zu befreien oder suggerieren, dass Kunsthandwerker:innen ohne ihr Eingreifen verarmt wären. Diese Praxis wirft ethische Bedenken auf und zeigt die Bedeutung der Überprüfung der Authentizität von Nachhaltigkeitsaussagen, die von Marken gemacht werden.
Trotz der Armut, mit der Kunsthandwerker:innen in Entwicklungsländern oft zu kämpfen haben, ist es nicht gerechtfertigt, dass Schöpfer:innen oder Marken ihr Wissen gegen eine geringe Entlohnung ausbeuten, während die Marke erhebliche Gewinne und Marketingvorteile aus dem vermeintlichen sozialen Aspekt zieht. Marken mit wirtschaftlicher Macht und Sichtbarkeit nutzen oft die ungleiche Beziehung aus, indem sie ihr Privileg ausnutzen, obwohl sie sich der Disparität bewusst sind. Sie versuchen möglicherweise, ihr Schuldgefühl durch kleine Spenden an NGOs zu besänftigen. Leider sind solche Praktiken in der Modebranche weit verbreitet und als “Social Washing” und “White Saviourism” bekannt.
Social Washing ist eine Taktik, die von Unternehmen angewendet wird, um die Aufmerksamkeit der Verbraucher:innen von den schädlichen Auswirkungen abzulenken, die ihre Produktion auf die Umwelt und die Menschen hat. Indem sie sich als “nachhaltig” oder “sozial verantwortlich” präsentieren, können sie das Bewusstsein der Verbraucher:innen trüben und ihre Marken in einem besseren Licht erscheinen lassen.
Der “White Saviourism” oder das “White Saviour Complex” ist eine Ideologie, bei der eine weiße Person eine überlegene Position einnimmt, um eine BIPOC (Schwarze, indigene oder Personen mit Hautfarbe) Gemeinschaft oder Einzelperson zu “retten” oder zu “helfen”. Diese Techniken zielen darauf ab, das Bewusstsein von verantwortungsbewussteren Verbraucher:innen anzusprechen.
In Wirklichkeit bereichern sich Marken oft auf Kosten von Kunsthandwerker:innen, die kaum überleben können. Die Marke nutzt das Know-how der Kunsthandwerker:innen und verwendet hochwertige Materialien, während sie niedrige Löhne zahlt, was zu höheren Gewinnen für das Unternehmen führt.
Anstatt mit Kunsthandwerker:innen zusammenzuarbeiten und lokale Gemeinschaften zu unterstützen, diktiert die Marke die meisten Aspekte, einschließlich der Gehälter.
Wenn du darauf hinarbeitest, eine Marke auf der Grundlage traditionellen Know-hows zu schaffen, ohne bereits eine Verbindung zu dieser Gemeinschaft zu haben, ist es entscheidend, gründlich zu erforschen, was bereits lokal vorhanden ist.
Die COSH!-Plattform ist voller Marken und Boutiquen, die Gemeinschaften, ihr Erbe und ihre Umwelt unterstützen. Entdecke diese Unternehmer:innen und ihre zeitlosen und einzigartigen Stücke.